La habitación de Vincent Van Gogh en Arlés

Sobre el tema de su dormitorio, Van Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor en Arles. Cerca de un año después, éste emprende la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del museo d´Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando: "Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos".
Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: "Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país."
Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas." Alcanza a pesar de todo una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la instabilidad de la perspectiva.
Museo d'Orday. París.

Berthe Morisot: La pintora impresionista

 Berthe Morrisot. En el baile (1875) 

Óleo sobre lienzo.

62 x 52 cm

París, Musée Marmottan Monet

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista. Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène, aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro-, con quienes expuso en prácticamente todas sus exposiciones, y admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry, Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo del impresionismo francés.  

Tanto la delicadeza del paisaje, que le enseñó Corot, como la maestría de sus retratos, que aprendió de Manet, o la representación impresionista de jardines, escenas rurales e interiores domésticos, permiten conocer los aspectos más destacados de su obra pictórica. Con una pintura introspectiva, incluso melancólica, de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. La representación del mundo íntimo femenino fue un asunto tan permanente en su obra que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo». 

Museo Thyssen Bornemisza. 15 de noviembre 2011 al 12 de febrero de 2012

El Taller de Bazille

Procedente de una familia de notables de Montpellier, Bazille se instala en París en 1862 para seguir estudios de medicina antes de optar por la pintura. En el taller de Charles Gleyre, entabla amistad con Monet, Renoir y Sisley que comparten su admiración por Manet. El taller de Bazille deja entrever las relaciones y la intimidad que unen a estos artistas precursores.

La escena está ambientada en el taller de la calle de La Condamine que Bazille comparte con Renoir del 1° de enero de 1868 al 15 de mayo de 1870. En el centro se encuentra Bazille, con la paleta en la mano. Pero como él mismo lo escribió en una carta a su padre: "Manet se ha hecho a mí mismo". Reconocemos en efecto el vigor de la ejecución de Manet en la alta y esbelta silueta del joven. Manet, precisamente, con sombrero, observa el lienzo colocado encima del caballete. En la derecha, Edmond Maître, amigo de Bazille, está sentado frente al piano. Por encima de él, un bodegón de Monet recuerda que Bazille le ayudaba económicamente mediante compras de cuadros.
Los tres personajes de la izquierda son más difícilmente identificables. Se puede tratar de Monet, de Renoir o también de Zacharie Astruc... Rodeando a Manet y a sus admiradores, algunos de sus cuadros rechazados por el Salón como El aseo (Montpellier, museo Fabre) encima del diván y El pescador y el gavilán (Zúrich, Fundación Rau) en la izquierda, arriba, o también seguramente un "paisaje con dos personajes" rechazado a Renoir en el Salón de 1866 (el gran lienzo enmarcado a la derecha de la ventana). Bazille exterioriza sus críticas respecto a la Academia y afirma su propia visión del arte. Pocos meses más tarde, su muerte durante los combates de la guerra franco prusiana convertiría esta obra en un emocionante testamento.

Museo d'Orsay. París.

La Cosecha - Jules Bastien-Lepage

Jules Bastien-Lepage (1848-1884)

 La cosecha 1877

Óleo sobre lienzo

Alt. 160; Anch. 195 cm. 

 Museo d'Orsay. París

Jules Bastien-Lepage "nieto de Millet y de Courbet",  según Zola, Jules  se hizo un especialista con escenas agrestes, lejos de los remilgos pastorales que abundaban en esa época. La Cosecha generó el entusiasmo de Zola, que veía en este, la obra maestra del naturalismo en pintura.

De hecho ya estamos lejos de la Siesta de Millet. El artista traduce, a su vez, con fuerza, la epopeya del campo francés, y describe a los campesinos en su simplicidad como en sus pesares: la mujer joven sentada en el primer plano, muestra en su rostro una expresión azorada, marcada por el agotamiento. La escena fue inspirada por un poema:
"Habiendo formado su lecho encima de un montón de hierba fresca,
El cosechador tumbado, duerme con los puños apretados.
Sentada a su lado la cosechadora morena,
Sueña con los ojos cerrados, aturdida y embriagada [...]."

Se puede medir hasta que punto el cuadro va más allá de este anodino texto. Fue además todo un éxito en el salón de 1878. La composición es atrevida: la línea del horizonte es inhabitualmente alta, dejando el heno epónimo "semejante a una tela de un amarillo muy pálido, tejida de plata ", ocupa la mayor parte del lienzo. Estos efectos de perspectiva acelerada, la clara paleta, la enmarcación enfocada hacia los personajes, constituyen señas de modernidad, en el mismo seno del naturalismo.

La Noche - Henri Fantin-Latour

Durante mucho tiempo se ha pensado en una influencia procedente de la música de Wagner, para este cuadro inhabitual en la obra de Fantin-Latour. Pero parece ser que el artista hubiera pintado aquí una figura de pura imaginación, envuelta por reflejos y vapores azulados y plasmada, de una manera muy libre, en una pasta ligera. Este efecto de luz crea, en la parte izquierda del cuadro, una zona abstracta, informal, sin contornos, a la manera de un Turner o de una Debacle de Monet, mientras que el velo está pintado por regueros de azul, de carmín, de amarillo, mezclándose directamente en el lienzo como en Renoir".

La flexibilidad de la pincelada, la fluidez, la ligereza y la poesía de este lienzo, asegurarán a Fantin el éxito crítico y el reconocimiento de los sectores oficiales.  Gustave Geffroy escribe: "La Noche: jamás cuerpo de mujer descansó más suavemente en un cielo de pintura, encima de nubes blandas y enrolladas como olas".

Museo d'Orsay. París

Van Gogh - Millet. Relación obsesiva

Entre los pintores que mayor admiración despertaron en Vincent Van Gogh, a lo largo de su vida, está por su importancia Millet. Quien fue para el pintor a la largo de su carrera un modelo artístico y un ejemplo de honradez y de valor, por esa vida rústica y laboriosa que tanto idializara Van Gogh.  Inspirándose libremente en el estilo de Millet, Van Gogh renovó la poesía de la vida rural y confirió al color una nueva dimensión. Su influencia se deja sentir en toda su obra, desde sus primeros dibujos, realizados en Holanda, hasta las últimas variaciones de "El Sembrador"  ejecutadas en Sanint Rémy . A través de 85 piezas de los dos artistas, pinturas, dibujos, pasteles, grabados, la exposición 1999 (Museo D'Orsay Paris) tenía por objeto subrayar el vínculo existente entre ambos y poner de manifiesto la extraordinaria que tuvo la obra de Millet en la de Van Gogh.

Guernica de Picasso en 3D

El Guernica, oleo sobre lienzo 349 x 776 cm pintado por Picasso en 1937, representa el bombardeo sufrido por la ciudad española de Guernica el 26 de abril de 1937, y actualmente expuesto en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid.

Lena Gieseke, experto en técnicas de infografía, nos lo muestra en una versión 3D con un resultado fascinante que nos permite comprender mejor la forma de trabajar del pintor.

Música -  Nana de Manuel de Falla

Navidad en el Arte

LA NAVIDAD EN EL ARTE //CHRISTMAS IN THE ART

Fantástico trabajo realizado por Juan Diego Caballero ENSEÑ-ARTE,

con presentaciones de la Navidad en la pintura medieval

(1300-1500) Música "Noche de Paz" de Enya.

La Luz de Sorolla inunda El Prado

Hace unos días estuve en el Museo del Prado visitando la exposición de Joaquín Sorolla. Una ocasión única para contemplar las mejores obras de este genial pintor, traídas de distintos museos del mundo y de colecciones privadas. Animo a todo el mundo que pueda acercarse a Madrid que se tome un tiempo para disfrutar de esta antológica exposición.

Formación

Nace en Valencia en 1863. En la Escuela de Bellas Artes (1878-1881) recibe una formación académica. Empieza a pintar al aire libre animado por uno de sus profesores, Gonzalo Salvá, y después por el pintor Ignacio Pinazo Camarlench. En 1884 obtiene una segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes y obtiene una pensión en Italia de la Diputación Provincial de Valencia. En 1885 va a Roma y desde allí a París, donde entra en contacto con el naturalismo. De regreso a Roma, comienza a viajar por distintas ciudades italianas, tomando pequeñas notas de color. En 1887 se instala en Asís y allí empieza a hacer escenas de ambiente valenciano bajo la influencia de José Benlliure y Gil. Es el inicio de su costumbrismo, que repercutirá en gran medida en su futura obra.

En 1888 contrae matrimonio con Clotilde García del Castillo.

Consolidación

En 1889 vuelve a París para ver la Exposición Universal: allí descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz. Surgen nuevas temáticas, como el costumbrismo marinero, el que trata de las gentes del mar, o el realismo social, demandado en los certámenes oficiales. Con el primero conseguirá su primer éxito internacional con La vuelta de la pesca en 1895, con el segundo varias medallas en la Nacionales de 1892, 1895 y 1901, en esta última con una Medalla de Honor.
En 1890 nace su primera hija, María Clotilde; en 1892, su único hijo varón, Joaquín; y en 1895, Elena, su tercera hija.

Culminación

En 1900 obtiene el Grand Prix de los pabellones español y lusitano en la Exposición Universal de París. Se inicia su etapa de culminación, la del Sorolla más brillante, cuyas grandes dotes perceptivas y veloz ejecución producen sus mejores obras, donde la luz es el interés dominante. Sus constantes desplazamientos a París le hacen conocer las distintas vanguardias, que experimenta en sus obras. Surgen los "ismos" en su pintura, siempre a modo de experimentación en su búsqueda por captar la luz. Hace retratos que le producen grandes ingresos, y se interesa por el paisaje, viajando por distintas regiones españolas para recoger sus distintas matizaciones. Sigue cultivando su costumbrismo marinero, del que derivan desde 1904 sus temas de playa, lo más reconocido de su producción, e inicia a partir de 1907 sus estudios de jardines, fundamentalmente en Andalucía
En este periodo expone individualmente en varias ciudades de Europa y de Estados Unidos: en 1906 en París, al año siguiente en Berlín, Düsseldorf y Colonia; en 1908 en Londres y un año más tarde en Nueva York, Buffalo y Boston. Concluyen estas exposiciones en Chicago y Saint-Louis el año 1911, con un gran éxito en París y clamoroso en Nueva York.

En 1911 Sorolla firma un contrato con The Hispanic Society of America de Nueva York por el que se compromete a hacer una gran decoración sobre Las Provincias de España, más conocida últimamente como Su visión de España. El pintor se enfrenta a un proyecto mural de proporciones gigantescas. Son casi ocho años de viajar constantemente por todo el país, buscando lo más peculiar de su indumentaria y de sus costumbres. En los descansos que hace de esa decoración, Sorolla pinta de forma más sintética, eliminando lo accesorio para enfrentarse con lo fundamental, buscando nuevos caminos para interpretar la luz.
En 1920 sufre un ataque de hemiplejía que lo deja invalidado del lado izquierdo. Su familia intenta revivirlo pero el pintor va languideciendo hastael 10 de agosto de 1923, fecha en que fallece en Cercedilla (Madrid).

Museo Joaquín Sorolla

Mujeres en el arte

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Pintura Rupestre

Es el arte estrella de la Edad Paleolítica. El artista no se limita a grabar figuras de bisontes, renos y otros animales en pequeños trozos de hueso o piedras sueltas, sino que los graba o pinta en las cuevas y abrigos naturales. Estos lugares han seguida siendo a lo largo de las generaciones santuarios de carácter mágico, este hecho hace que el nuevo pintor no borre las representaciones anteriores y es corriente encontrar figuras superpuestas.
La mayor y la mejor parte de estas pinturas murales se han descubierto en el sudoeste de Europa, en España y Francia.
El apogeo de la pintura paleolítica corresponde con el periodo Magdaleniense. La técnica se enriquece: se cubren con rayas el interior de las figuras, se gradúa la intensidad de color y se abandona la monocromía. En España, la de San Román de Candamo (Asturias) y las cuevas de Altamira de Santillana (Cantabria) En esta última se aprovecha las formas naturales de su bóveda para representar en ellas los animales, que tienen así un relieve, en parte, real.

De la misma época que las pinturas anteriores según unos, y de época algo posterior, según otros, las pinturas de la Región Levantina ofrecen grandes novedades y forman un grupo perfectamente definido.
En vez de encontrarse en cuevas oscuras, decoran abrigos a plena luz. La escala empleada es mucho menor a veces hasta minúscula.
La figura humana que en el estilo anterior apenas se representa, aquí aparece perfectamente definida y desempeña un papel importante.
El artista lejos de yuxtaponer figuras, crea escenas de caza, guerra y danzas rituales. Desde el punto de vista técnico, lo más importante es que el colorido es plano y el estilo mucho más esquemático.
En España, las de Cogul (Lérida), la de Araña de Bicorp (Valencia)